Mentre per gran parte del XX secolo ci si dedicava ad appendere quadri alle pareti e a chiedere alla gente di ammirarli da una distanza rispettosa, Julio Le Parc osservò l’intera situazione e decise che gli sembrava inutilmente statica.
Ha riempito le sale di riflessi, movimento, colore e incertezza: opere d’arte che si comportavano meno come oggetti e più come fenomeni meteorologici, trasformando i normali visitatori del museo in esploratori che vagavano tra tempeste di luce.
Le Parc è morto il 30 maggio 2026, all’età di 97 anni. L’11 giugno verrà inaugurata alla Tate Modern un’importante retrospettiva, una mostra che stava ancora preparando nei giorni precedenti alla sua scomparsa.
Julio Le Parc con “Continual Light Cylinder”, 1962 © Atelier Le Parc 2026 ADAGP Parigi e DACS Londra
La maggior parte dei tributi si è concentrata, comprensibilmente, sul suo ruolo di pioniere dell’arte cinetica e ottica. Tutto ciò è vero. Ma il campo dell’immersività potrebbe aver appena perso uno dei suoi antenati più importanti senza rendersi pienamente conto che facesse parte della famiglia.
Quell’opera non era qualcosa da guardare. Era qualcosa in cui ci si immergeva.
Ti suona familiare?
Il settore dell’immersività ha la curiosa abitudine di considerare la partecipazione come una recente innovazione tecnologica. Sembra che quasi ogni settimana venga introdotto un nuovo vocabolario, che promette di spiegare finalmente concetti quali partecipazione, coinvolgimento, meraviglia, trasformazione o connessione umana.
Ma molto prima che il termine “immersivo” diventasse una categoria a sé stante, e molto prima che qualcuno scoprisse che anteporre la parola “immersivo” a qualcosa potesse far aumentare sia i prezzi dei biglietti che l’interesse degli investitori, Le Parc si trovava già alle prese con molte delle stesse questioni che oggi animano il design esperienziale.
Come si fa a trasformare uno spettatore in un partecipante? Come si fa a rendere una persona consapevole della propria percezione? Come si fa a suscitare stupore senza ricorrere a una storia, a un personaggio, a un visore o a uno schermo?
Queste non erano questioni secondarie nel suo lavoro. Erano il lavoro stesso.
Una stanza dove la certezza si arrende
Se non avete mai visto un’installazione di Julio Le Parc, immaginate di entrare in una stanza in cui la certezza ha rassegnato, con grande senso del dovere, le proprie dimissioni.
La luce rimbalza. Le ombre si spostano. I riflessi compaiono dove non dovrebbero. Gli oggetti sembrano muoversi, poi si fermano, poi si muovono di nuovo.
Da qualche parte nelle vicinanze, un altro visitatore fa un passo e l’intera composizione cambia, come se la stanza stessa avesse percepito la sua presenza e avesse deciso di entrare in sintonia con lui.
La maggior parte dell’arte ci invita a fermarci e osservare. L’opera di Le Parc suggeriva con garbo che il fatto stesso di stare fermi potesse essere parte del problema.
Julio Le Parc alla Tate Modern: un’installazione in cui i visitatori sono invitati a sentirsi parte integrante delle gigantesche opere d’arte immersive© Tate Photography (Kathleen Arundell)
Oggi, quando parliamo di esperienze immersive, tendiamo a concentrarci sugli aspetti tecnici: motori di rendering in tempo reale, sistemi di proiezione, array audio spaziali, infrastrutture di tracciamento, tecnologia aptica, sensori, hardware XR, modelli di IA generativa e qualsiasi altro acronimo venga attualmente presentato con grande entusiasmo e un ingente budget in un fiera.
Le Parc era interessato a qualcosa di più fondamentale: cosa succede quando il pubblico smette di essere semplice spettatore e diventa parte integrante del sistema. I meccanismi possono cambiare, ma la questione di fondo rimane la stessa.
La luce non è mai stata il punto centrale. Il punto centrale era ciò che accadeva alle persone quando la luce le raggiungeva.
Molte esperienze basate sulla localizzazione di successo lo comprendono istintivamente. Un visitatore all’interno di un ambiente teamLab, di un’installazione del Balloon Museum o di uno dei mondi luminosi di Moment Factory non si limita semplicemente a fruire di un contenuto. L’ospite non sta tanto osservando l’opera quanto piuttosto completandola.
Fai un passo e tutto si riorganizza attorno a te.
Perché lo consideriamo parte della famiglia
Quindi entriamo nel dettaglio riguardo all’eredità.
L’opera di Le Parc cancella il confine tra spettatore e opera d’arte. Non ci si limita a guardarla: ci si entra dentro. L’esperienza dipende dalla presenza e dalla partecipazione dello spettatore. Se ci si muove, l’opera si muove a sua volta. Se si cambia posizione, la composizione cambia con noi.
L'opera d'arte non è un oggetto immobile che attende di essere osservato. È una relazione che attende di essere attivata.
Ha suscitato meraviglia attraverso la percezione stessa. Nessun mondo narrativo. Nessun cast di personaggi. Nessuna proprietà intellettuale. Nessuna mitologia da memorizzare. Nessuno schermo. Nessuna guida introduttiva. Solo luce, movimento, spazio e la sconcertante consapevolezza che la realtà potrebbe essere un processo più collaborativo di quanto solitamente ammettiamo.
Forse l’aspetto più importante è che ha affrontato la partecipazione attraverso il gioco piuttosto che con un atteggiamento di riverenza.
Il suo lavoro era aperto, gioioso e accessibile. I visitatori non dovevano conoscere la teoria dell’arte per partecipare. Bastava semplicemente entrare nella sala e prestare attenzione.
Nel loro insieme, queste idee cominciano a sembrare sorprendentemente familiari.
Dal suo debutto a Roma nel 2022, il Balloon Museum ha accolto oltre dieci milioni di visitatori in Europa, Asia e Nord AmericaImmagine per gentile concessione di Lux Entertainment
Un visitatore entra in un ambiente progettato. L’ambiente reagisce alla sua presenza. Il significato emerge attraverso la partecipazione piuttosto che dall’osservazione. Il pubblico contribuisce a completare l’opera. L’esperienza non viene offerta alle persone, ma si realizza attraverso di loro.
Questo non è semplicemente un aspetto correlato all’intrattenimento immersivo e basato sulla localizzazione dei giorni nostri. È la logica operativa stessa.
Roberto Fantauzzi, amministratore delegato di Lux Entertainment, il cui Museo dei Palloncini negli ultimi anni ha convinto milioni di persone che l’arte contemporanea è decisamente più piacevole una volta che si ha la possibilità di entrarci dentro, la mette così:
"Ciò che mi affascina è il momento in cui un visitatore smette di essere uno spettatore e diventa parte integrante della composizione. È proprio lì che l’arte esperienziale contemporanea acquista tutta la sua forza. Le esperienze più memorabili non vengono offerte al pubblico, ma sono proprio il pubblico a completarle."
"L'artista crea le condizioni, ma il significato emerge attraverso la partecipazione. In questo senso, il visitatore non si limita a assistere all'esperienza, ma contribuisce a crearla."
Che si tratti di uno spettacolo teatrale immersivo, di un’esperienza di realtà virtuale in un luogo specifico, di un’attrazione multisensoriale, di un ambiente museale interattivo o di un’ evento sociale competitivo , un mondo narrativo o un’installazione esperienziale su larga scala, il meccanismo di fondo rimane straordinariamente coerente.
I formati sono diversi. Le tecnologie sono diverse. Gli approcci creativi sono diversi. I modelli di business sono sicuramente diversi.
La proposizione non lo fa. Le persone entrano in uno spazio. Lo spazio invita all’azione. L’azione crea significato.
Lo scheletro che si cela dietro lo spettacolo
Per essere chiari, Le Parc non era certo l’unico a esplorare queste idee.
Uno storico dell’arte ragionevolmente irritato potrebbe citare Yayoi Kusama, James Turrell, Olafur Eliasson, GRAV, Allan Kaprow, Hélio Oiticica, Robert Irwin e una lunga lista di altri artisti, movimenti e provocatori che hanno messo in discussione il rapporto passivo tra pubblico e l’opera d’arte.
Avrebbero ragione.
Il punto non è che Le Parc abbia inventato la partecipazione. Il punto è che ne offre una visione insolitamente chiara.
Anche la mostra “Infinity Rooms” di Yayoi Kusama è stata ospitata dalla Tate Modern dal 18 maggio 2021 al 28 aprile 2024 © Tate Modern/Yayoi Kusama
Il suo lavoro riduce l’equazione all’essenziale. Elimina la proprietà intellettuale. Elimina l’impalcatura narrativa. Elimina le meccaniche di gioco, lo stack tecnologico, la mitologia, la creazione del mondo e il vocabolario sempre più elaborato che abbiamo sviluppato attorno alla progettazione di esperienze immersive.
Ciò che rimane è una persona, uno spazio, un insieme di condizioni percettive e un invito a partecipare.
È proprio questa semplicità a renderlo un antenato così prezioso per i creatori contemporanei. Osservare Le Parc è un po’ come guardare un disegno anatomico: gran parte della carne è stata rimossa, lasciando scoperta la struttura sottostante.
E la struttura è straordinariamente familiare.
Un visitatore entra in un ambiente progettato. L’ambiente reagisce. Il significato emerge attraverso la partecipazione. Il pubblico contribuisce a completare l’opera. L’esperienza non viene offerta alle persone, ma si realizza attraverso di loro.
Julio Le Parc non ha inventato la progettazione di esperienze immersive. Ma ha compreso un concetto fondamentale che molti creatori di oggi stanno ancora cercando di cogliere: la partecipazione non è una caratteristica dell’esperienza.
È l'esperienza.
Ciò che ci lascia
Le persone non ricordano i dettagli. Ricordano i momenti: il momento in cui hanno perso la cognizione del tempo, o in cui hanno visto qualcosa di familiare trasformarsi in qualcosa di strano. Quel momento, quel piccolo cambiamento nella persona che si trovava nella stanza, rappresentava l’intera opera di Le Parc.
È anche, a dirla tutta, l’unica cosa che il settore “immersivo” abbia mai davvero venduto. L’ho già sostenuto altrove che il cambiamento di stato sia più importante della trama. Lo stesso principio vale anche in questo caso.
Il vero compito del design esperienziale non è la trasmissione di contenuti, bensì l’orchestrazione del cambiamento: un cambiamento nella percezione, nell’attenzione, nelle emozioni o nella comprensione.
Le Parc lo aveva capito istintivamente.
La mostra alla Tate Modern presenta oltre 60 opere che abbracciano i 70 anni di carriera di Le Parc, tra cui installazioni interattive, sculture luminose e dipinti astratti geometrici© Tate Photography (Kathleen Arundell)
Ed è proprio questa l’eredità che vale la pena rivendicare. Man mano che il valore si sposta da ciò che guardiamo a dove andiamo, il vero valore non è la sala, l’impianto o la proprietà intellettuale, ma ciò che accade al visitatore al suo interno.
Progetta con questo obiettivo in mente e avrai un momento che nessun concorrente potrà eguagliare: qualcuno entra e, quando esce, vede il mondo – e forse anche se stesso – in modo un po’ diverso.
Julio Le Parc ha dedicato tutta la sua vita a perseguire quella trasformazione, mentre noi altri stiamo ancora cercando di metterci al passo. La sua opera, nel frattempo, continua a brillare, a ondeggiare e a suggerire delicatamente che il pubblico ha un ruolo da svolgere.
Questo articolo fa parte di un’analisi continua sul panorama immersivo in continua evoluzione: come abbiamo perso la strada, chi si sta battendo per restituirgli un senso e perché è importante.
Per saperne di più su ciò di cui tratta questa rubrica, inizia da "Questo articolo è immersivo?", dove espongo la mia missione: sottrarre il concetto di immersione ai venditori di espedienti e restituirlo a chi crea esperienze in cui vale la pena perdersi.
